7a Bienal Internacional de Arquitectura de Sao Paulo

Desde el 11 de noviembre hasta el 16 de diciembre se está llevando a cabo la 7a Bienal Internacional de Arquitectura de Sao Paulo en el recinto bienal. En esta ocasión se celebra el cumpleaños número 100 de Oscar Niemeyer con una completa muestra de su obra, en uno de sus edificios más emblemáticos: el recinto Bienal en el Parque Ibirapuera. Además una completa muestra con la obra de Mendes da Rocha (ganador del premio Pritzker el año pasado), una muestra de arquitectura brasileña, otra de escuelas de arquitectura y una muestra de oficinas internacionales. Más de 1000 proyectos, con 300 maquetas. A continuación un completo reporte gráfico, gentileza de Martín Bravo.

Dentro de este edificio rectangular, una serie de recorridos curvos (típicos de Niemeyer) crean un espacio interior bastante dinámico ideal para las bienales de arte y arquitectura y otras exposiciones que se desarrollan en su interior.
Oscar Niemeyer cumple 100 años de vida el próximo 15 de diciembre, y a pesar de su edad no para. Últimamente ha estado haciendo proyectos que ha donado a Valparaíso y Venezuela. Su muestra usa como soporte un panel curvo que recuerda las formas sinuosas que lo han atraído toda la vida: “La curva que encuentro en las montañas de mi país. En las olas del mar. En el cuerpo de la mujer preferida. De curvas está hecho el universo”.
Si se fijan, la planta de la cubierta serpenteante que conecta los edificios del parque es el logo de la bienal.
Muestra de Mendes da Rocha, ganador del Pritzker 2006.


Una de las muestras que llama la atención es la de Alemania. Obras de arquitectos alemanes en el extranjero, presentadas a través de maquetas dentro de maletas.


Dentro de la muestra internacional, que incluyo a Christ & Gantenbein Architects (Suiza), GA.A Architects (Corea del Sur), Hertl. Architekten (Austria), Hopkins Architects (Inglaterra), Jacob+MacFarlane (Francia), Joan Busquets (España), Mathias Klotz (Chile), ONL Architects (Holanda), Pascal Arquitectos (México), Plasma Studio (Inglaterra), Schmidt, Hammer & Lassen (Dinamarca), Shuhei Endo (Japon), Stefan Eberstadt (Alemania), Steven Holl (EEUU), Urban Think Tank (Venezuela) y Vicente Guallart (España) se destaca por contraste la muestra del arquitecto chileno Alejandro Aravena, similar a la expuesta en Santiago pero aún más sencilla.



Arquitectos?
Y quien dice que no podemos expandir nuestra forma de ver el mundo a oro tipos de expresiones como lo es el diseño de modas.

“PRESENCIAS” de Ana Marí Pizarro

PRESENCIAS es la VII exposición individual que está presentando Ana María Pizarro, luego de un lapso de ocho años. Es un trabajo con la misma inspiración de exhibiciones anteriores sobre los textiles prehispánicos pero con una visión distinta, que estableciendo un paralelo de la visión del antiguo artista peruano se basa en una geometrización de la naturaleza que obedece a una inspiración mental, a diferencia de la representación occidental que a menudo muestra imágenes visuales antes que mentales en la mayoría de los casos.

PRESENCIAS es el nombre que ella encontró adecuado para mostrar la última producción de sus obras. Piensa que es volcar el pensamiento y sentimientos en la expresión pictórica desde la óptica de una mujer hacia mujeres representadas en espacios que juegan con formas paisajistas andinas en constante transformación, siempre enlazadas con interpretaciones icónicas prehispánicas del Perú en un lenguaje nítido, con el fin de llegar a la mayoría de espectadores.

Con respecto a la realización de sus cuadros al óleo, ella recurre a tramas y urdimbres pictóricas en clara alusión del tejido andino, creando un efecto de superposición del color acentuado y la forma definida con aplicación de texturas con materiales mixtos que constituyen el propósito de su discurso visual. Se destaca la representación con colores explotados en sus distintas gamas entre cálidos y fríos, entre la luz y la sombra logrados con genialidad y maestría.

PRESENCIAS es en definitiva una exposición que posee las categorías estéticas de bello a elevado y de sublime a fascinante, por el soporte de investigaciones profundas realizadas por la artista para la representación correcta del diseño iconográfico de los antiguos peruanos.

En resumen, PRESENCIAS es un proyecto hecho realidad, como consecuencia del empeño y esfuerzo puestos por Ana María Pizarro, ella es una mujer con mucho empuje y automotivación, aspectos que le permiten lograr los objetivos que se plantea y recorrer airosa los difíciles caminos del arte.

Lugar : Galería de Arte del Centro Cultural “Alberto Quintanilla” de la Universidad Tecnológica del Perú.
Dirección : Avenida Petit Thouars 195, Lima 1.
Día : Miércoles 28 de noviembre de 2007
Hora : 7:30 p.m.

Con el ruego de su difusión.

Atentamente,

Lic. RILDO CAMPANA AÑASCO
DIRECTOR DE CULTURA DE LA UTP

Zdzislaw Beksinski - La Pintura del Apocalipsis

Zdzisław Beksinski (1929 - 2005) era un pintor y fotógrafo polaco de gran renombre. Sus pinturas contenían elementos surrealistas de visión apocaliptica y de gran detalle, con paisajes llenos de cadáveres, figuras deformes o grandes desiertos. A pesar de ello el decía que eran mal interpretadas, y que tenían un elemento algo optimista y hasta humorístico. Sus exposiciones siempre fueron grandes aciertos, y es con una de ellas en Varsovia en 1964 cuando su fama se extendió a nivel mundial. En los años 80 su nombre y su obra eran reconocidos en Francia, Europa occidental, Estados Unidos y Japón. Antes de trasladarse a Varsovia en 1977, quemó una selección de sus trabajos en su propio patio trasero, sin dejar ninguna documentación de ellos. Más adelante diría que algunos de esos trabajos eran “demasiado personales”, mientras que otros eran insatisfactorios, y él no quería que la gente los viera. A finales de los 90 descubrió los ordenadores, Internet y la fotografía digital, lo cual amplió su trabajo.



Para Beksinski su arte se dividía en Barroco y Gótico, siendo en su mayoría este último estilo el que dominará su obra, sobre todo en sus últimos 5 años. En 1998 muere su esposa Sofia y un año más tarde aparecería muerto por suicidio su hijo Thomas encontrado por el mismo artista que nunca asimiló esa muerte. El día 21 d3e febrero del 2005 le encontraron muerto en su casa con 17 puñaladas en su cuerpo.



Beksinski nunca participó en la vida artística como miembro y partícipe de este grupo, ni tan siquiera en sus exposiciones era participativo, de ahí que a pesar de no tener una biografía destacable por su vida social resulte tan extraña su muerte. El arte del pintor era melancólico y severo, aunque los que le conocían decian de él que era una persona agradable y conversadora. El nunca puso títulos a sus cuadros. Aborrecía el silencio y siempre escuchaba música clásica mientras pintaba, adoraba esa música. Casi nunca visitaba museos ni exposiciones, incluso rehuía acudir a las suyas.

Poema Electrónico: Le Corbusier/Varèse/ Xénakis.

Comisionado por Philips Co. para la construcción del pabellón que alojaría a la firma durante la Feria mundial de 1958 (la primera despues de la II Guerra Mundial), Le Corbusier (n. 1887 La Chaux-de-Fonds, Suiza) pronunció estas famosas palabras a sus empleadores “No les construire un pabellón, si no un poema electrónico y una vasija conteniendo el poema; luz, color, imagen, ritmo y sonido unidos en una síntesis orgánica”. No se si en este punto Le Corbusier tenia ya en mente a Edgar Varése(n. París 1883) para la creación del sonido, pues se sabe que rechazóla participación de otros artistas en el proyecto. Se habla de que lapoderosa y dominante personalidad de Le Corbusier insistio que el únicoartista calificado era Varése, dandole absoluta libertad de creación al compositor.
La imagen básica de forma y función de Le Corbusier para el pavellónfue diseñar el interior a manera de “estomago de vaca”, de esta maneralos asistentes accesaran en grupos de 500 a intervalos de 10 minutos;los primeros 2 minutos transcurririan en un corredor curvo mientrasescuchaban una pieza de transición (creada por Iannis Xenakis,ingeniero y compositor integrante del despacho de Le Corbusier);entonces su apagarian las luces obligando a los espectadores adetenerse y durante los proximos 8 minutos se concentracen en elenvolvente de musica, sonidos, luces y el film que se proyectaría. Laselección de imagenes y proyecto filmico correrían por cuenta de dosartistas franceses Jean Petit y Phillipe Agostini.
La dirección de proyecto recaería mayormente en Xenakis debido a laestadia de Le Corbusier en Chandigarh, India ocupado en una obra querequería su máxima atención: una Ciudad.

La musica de Edgar Varèse

Edgar Varèse, compositor francés, nacido en Paris el 22 de diciembre de 1885; murió en Nueva York el 6 de noviembre de 1965.

Estudió con Vincent d'Indy en la Schola Cantorum de París (1903-05) y con Charles Widor en el Conservatorio de París (1905-1907), luego viajó a Berlín, donde conoció a Strauss y Busoni. En 1913 regresó a Paris, pero en 1915 emigró a Nueva York; todas sus composiciones de esta época desaparecieron, con excepción de una sola canción publicada y una partitura orquestal, Bourgogne (1908), que llevó con él pero destruyó hacia el final de su vida. Su obra creativa por lo tanto comienza efectivamente con Amériques para gran orquesta (1921), la cual, por todos los ecos de Debussy y de los ballets tempranos de Stravinski, establece nuevos mundos de sonido: acordes fieramente disonantes, polifonías rítmicamente complejas para percusiones o vientos, formas en continua evolución sin repeticiones a gran escala.
En 1921, él y Carlos Salzedo fundaron la International Composers' Guild, que dio las primeras interpretaciones de algunas de sus obras para conjuntos pequeños, prominentemente vientos y percusiones, y presentaron las innovaciones de Amériques en forma compacta: Hyperprism (1923), Octandre (1923) y Intégrales (1925). Arcana (1927), que regresa a la gran orquesta y forma extendida con técnica perfecta, llevó su periodo más productivo a su fin.
Siguió una larga estancia en París (1928-1933), durante la cual escribió Ionisation para orquesta de percusión (1931). Se interesó también por los instrumentos electrónicos y escribió para dos theremins u ondas Martenot en Ecuatorial para bajo, metales, teclados y percusión (1934). El solo de flauta Densidad 21.5 (1936) fue su última obra terminada en las siguientes dos décadas. Durante ese tiempo habló esporádicamente e hizo planes para Espace, obra que haría uso simultáneo de transmisiones de radio de todo el mundo; un Étude pour Espace para coro, pianos y percusión se ejecutó en 1947. Por Entonces, con la música electrónica por fin siendo una posibilidad real gracias al desarrollo de la grabación en cinta, produjo Déserts para vientos, percusión y cinta (1954) y un Poème électronique (1957-1958). Sus últimos años los dedicó a proyectos sobre temas de la noche y la muerte, como el Nocturnal, obra inconclusa, para voces y orquesta de cámara (1961).
La música de Varèse no es de escucha sencilla; sus composiciones han influido en artistas de vanguardia como Frank Zappa.

Matthew Ritchie, Los limites se vuelven confusos

Hubo un tiempo en que era posible resumir las tendencias del arte estadounidense del momento en unas pocas frases hábilmente formuladas: "pintura abstracta del gesto", podría haber servido en un momento, o "regreso a lo figurativo", en otro. Hoy es mucho más difícil señalar la corriente dominante con esta clase de precisión. En parte, debido a que el arte ha cambiado, y en parte debido a que ha cambiado el mundo. No obstante, creo que se puede discernir una serie de tendencias en el arte de hoy. Estas tendencias a menudo se comprenden mejor observando a los artistas individuales que las ilustran y considerando la manera en que estos artistas están ampliando nuestro entendimiento y llevando a nuevos límites las definiciones del arte.

El realismo virtual

El arte estadounidense también está invadiendo el terreno virtual con la creación de obras que se tienen que experimentar en línea. Uno de los artistas más activos en este sector es Matthew Ritchie, creador de toda una cosmología que se presenta y se explica de manera algo críptica en su sitio de la Web. Basado en los mitos de la creación del mundo occidental y con el tipo de tecnología interactiva usada en los juegos de Internet, el proyecto de Ritchie gira en torno a un grupo de siete agentes celestiales dañados que representan distintas partes del cerebro humano. Arrojados del cielo, caen a la tierra y se dispersan en fragmentos por siete continentes. Estas criaturas fragmentarias se combinan y recombinan para dar lugar a una serie casi infinita de peripecias posibles que pueden seguir los usuarios de la web.
Mientras tanto, para quienes prefieren el arte que mantiene al menos un pie en el mundo "real", Ritchie también traduce sus historias en pinturas abstractas que se desarrollan a lo largo de paredes, techos y suelos de galerías. Una de éstas se instaló como mural permanente en Boston, en el Instituto de Tecnología de Massachusetts. Al final, aunque la historia que relata puede no ser clara en todos sus detalles, es obvio que Ritchie ha producido una alegoría de la creación que celebra el papel del artista como inventor de nuevos mundos.