La Invisibilidad de la mujer en la arquitectura

Desde hace un tiempo atras veo como existe un movimiento por empoderar o mejor dicho darle a la mujer el lugar que se merece en la Historia de la Arquitectura, ya que muchas de ellas han sido negadas o a lo mucho se les ha dado un lugar secundario haciendolas "invisibles" al momento que uno busca sobre mujeres arquitectas.

Existe un blog Un día / una arquitecta, que justamente busca eso, cada día publicar sobre una arquitecta a la cual la historia a dejado de lado y me parece una labor digna de resaltar la de este blog.

Justamente este blog nos dice que su "objetivo es visibilizar el aporte de las arquitectas en diferentes facetas: proyecto arquitectónico, urbano y paisajístico, tecnología, curaduría y publicaciones, producción artística, política, gestión del hábitat social, teoría y enseñanza."

Y hoy veo un articulo escrito en la web de la Revista Malabia, el cual son fragmentos del libro escrito por la arquitecta Monica Cevedio titulado: "Arquitectura y Genero" el cual me limito a transcribir, espero sea de su interés y agrado, ya que esta labor de hacer visible el aporte de las mujeres en la arquitectura debería ser no una lucha de genero si no de todos.

El articulo a la letra dice así:

Cuando analizamos la Historia de la Arquitectura - y en general la Historia - vemos que esta no ha recogido las contribuciones y participaciones de las mujeres, lo que invalida por lo tanto la pretensión de “universalidad” que se nos quiere transmitir.

Se trata de pedir un “reconocimiento histórico” empezando a denunciar muchos discursos y concepciones que se suponen neutros y universales y solo están pensados a través de ideas patriarcales, androcentricas, donde la mujer a sido y sigue siendo la gran ausente ya que la arquitectura ha sido y sigue controlada por el género masculino.

A lo largo de toda la historia, las clases dominantes se apropiaron y impusieron una cultura (parte de la superestructura) que justificara y perpetuara su poder económico y social. Por esto podemos decir que la cultura actual es burguesa, clasista, genérica, androcéntrica y misoginia.

Vemos, entonces, como la Arquitectura a sido pensada por y para los hombres, y cuando las mujeres queremos identificarnos con el espacio, con la vivienda, con la ciudad, nos encontramos que estamos “huérfanas” de un pasado, sin historia, sin referencias, es decir viviendo en un marco impuesto y del que no somos consientes que habitamos. Donde la cultura dominante es norma universal, por lo que existe un imperialismo cultural. 

Debemos relacionar por tanto al espacio con el poder (económico, social y cultural) y reconocer que el espacio no es neutral. Por lo que es válido hacer una nueva interpretación cultural e histórica.

Es decir, que debemos basar estos nuevos planteamientos teniendo en cuenta las distintas realidades sociales y culturales de la mujer con un discurso donde primen estos valores, ya que el “saber” y el “ser” de la mujer ha sido excluido, silenciado y negado por las ideas, relaciones y conocimientos masculinos dominantes a través de la historia. 

Valoraciones patriarcales que van mas allá de las diferencias de clase, de raza, de género, que decretan que la mujer es inferior, sometiendo y rebajando a las mujeres a un lugar inexistente o de marginalidad. 

Si hacemos un análisis, en esta nueva búsqueda sobre los arquitectos clásicos modernos, vemos, como Le Corbusier cuando habla de la Arquitectura, al igual que Loos siempre lo hace pensando en el sexo masculino, es decir en el hombre, y cuando se refieren al sexo femenino lo hace despectivamente y esto se refleja en sus escritos y sus obras. 

En el libro “El espíritu nuevo” dice Le Corbusier, que la Arquitectura se ocupa de la casa normal y corriente, para hombres normales y corrientes”. También dice: “Nuestras necesidades son unas necesidades de hombres.”(1)

Así, como: “¿Para quién debe construirse la casa?, Para el hombre no cabe la menor duda.”(2)

O: “ La casa, del hombre, no es cárcel, ni espejismo, la casa edificada y la casa espiritual,”(3) así como: “Construir para el hombre, para que éste no se encuentre nunca ausente, en un futuro, de ninguna de las obras de la construcción, sino que se convierta en su invitado más honrado y en su Señor.”(4) 

Cuando habla de los ingenieros, lo hace en los siguientes términos: “Los ingenieros son viriles y sanos...”(5)

En definitiva, Le Corbusier ve la evolución del mundo a través solo de ojos masculinos, dice: “Las herramientas del hombre jalonan las etapas de la civilización, la edad de piedra. La edad de bronce, la edad de hierro... La herramienta es la expresión directa, inmediata del progreso.”(6)

Cuando hace referencia a la mujer, Le Corbusier, lo hace de manera despectiva, desvalorizándola, escribe por ejemplo, hablando de los estilos de arquitectura: 

“Esto no es Arquitectura. Son los estilos, vivos y magníficos en su origen, ya no son, hoy, sino cadáveres.

¡O mujeres de cera! (7)

También nos dice: “ El arte no es una cosa popular, ni mucho menos una querida de lujo.”(8)

Vemos como Le Corbusier ve a las mujeres a través de ojos masculinos otorgándoles el papel reproductoras, cuidadoras o prostitutas como en este caso.

Loos, también escribe para los hombres, dice: “La arquitectura despierta sentimientos en el hombre. Por ello, el deber del arquitecto es precisar ese sentimiento.”(9)

Cuando se refiere a las mujeres, al igual que Le Corbusier, lo hace siempre en referencia al ama de casa: “Por todos estos motivos construyo la cocina – habitación, que desahoga a la ama de casa y le da un papel mas fuerte en la vivienda que si tuviera que pasar el tiempo de cocinar en la cocina.”(10)

Así, como cuando dice: “La mujer austríaca procura atar al marido a la familia por medio de la cocina, mientras que la americana y la inglesa lo hacen con un hogar confortable.”(11)

O: “Toda ama de casa sabe que la ropa se seca antes si corre el viento.”(12) Reafirmándola en el papel subordinado, de ama de casa. 

Observamos, que Le Corbusier cuando proyecta, al igual que Vitruvio sigue pensando las viviendas en función del “paters familia” –Ej. Casa Curutchet -, esta misma discriminación se manifiesta en cuanto que algunos de sus proyectos han sido diseñados a través del Modulor – Ej. “Unité” de Marsella -. Según Le Corbusier es un sistema de medidas organizado sobre las matemáticas y la escala humana (13) pero, que en la realidad propone adaptar toda la Arquitectura a las dimensiones del hombre, en 1942 el modulor mide: 1,829 m, cuatro años más tarde en 1946, la altura del modulor pasa a: 1.75 m (14) es decir, que se basa sólo en las medidas del hombre y se da por hecho que representa e incluye a las mujeres.

Le Corbusier y Loos, siguen así el principio de Alberti: “ ... el hombre como modo y medida de todas las cosas” (15) principio basado en el hombre de Leonardo da Vinci, con el que se pretendía la relación entre hombre, Dios y naturaleza.

Es así, como Le Corbusier, no sólo ve una imagen en el hombre modulor, cuando dice: “Estudiar la casa, para el hombre corriente universal, recuperar las bases humanas, la escala humana, la necesidad - tipo, la función tipo, la emoción – tipo.”(16)

O: “Todos los hombres tienen el mismo organismo, las mismas funciones, todos los hombres tienen las mismas necesidades. Por lo tanto, la casa es un producto necesario para el hombre.”(17)

Opino, que no se trata de imponer “una modulora”, deportista, atlética, pero, sí de reconocer que nuestras necesidades como mujeres no han sido contempladas, por quienes detentaron el poder históricamente, (ni siquiera los físicos).

Aunque existe el “mito” de que el espacio privado pertenece a la mujer y el espacio público al hombre, es decir el espacio interior y el espacio exterior, el espacio de la vivienda y el espacio de la ciudad, vemos que a la mujer no le pertenece ninguno de los dos espacios Ya que el espacio privado y el público han sido concebidos bajo una única mirada, la del hombre; en la que transmite solo sus propias vivencias y sus conocimientos que son unilaterales (sólo masculinos), y en el que las mujeres habitamos y somos usuarias pasivas, sin cuestionarnos, ni advertir la invisibilidad que encierra no solo el diseño, sino la existencia real, material de esos espacios que nos envuelven y nos representan sin evaluar si son los necesarios y los únicos que podemos habitar.

Se trata entonces de analizar la vivienda y la ciudad y darles un nuevo enfoque donde se reconozca la posición social y económica de las mujeres en la sociedad capitalista. 

Resumiendo, diré que este análisis trata de demostrar y combatir a través de la crítica el “lugar” impuesto a las mujeres. Lugar impuesto por un proceso ideológico, transmitido por los hombres a la humanidad, a través de la cultura, el arte, la arquitectura. 

Considero, por tanto, que es importante, que las mujeres encuentren su saber, sus valores para profundizar en el conocimiento, y en este caso tratar de llevarlo al “espacio”, comprender y ver como se opera en él y desde él para tratar de dar o tener pautas con las que se pueda transformar la realidad que habitamos.

Esta nueva búsqueda “cultural”, – con la que nos identificamos las mujeres que poseemos un pensamiento basado en las diferencias, pero no en las desigualdades - es con la que debemos empezar a andar, no para imponer una única manera de hacer, una única mirada, sino para establecer una cultura dialogica que sume y trate de establecer en todos los ámbitos una vida más humana, más justa, más igualitaria.

Escrito por: Monica Cevedio

NOTAS

1- Precisiones, ed. Apostrofe, p130
2- La casa del hombre, Le Corbusier, ed. Poseidon, p 24
3- Ibid, p.46
4- Ibid, p.46
5- Hacia una arquitectura, ed. Apóstrofe p.6
6- Hacia una arquitectura, p.5
7- Precisiones, Le Corbusier, ed Apóstrofe p 90
8- Hacia una arquitectura,p.79
9- Escritos II de Adolf Loos ed. El Croquis, p.34
10- Ibid, p. 240
11- Escritos I de Adolf Loos p. 191
12- Escritos II de Adolf Loos, p.235
13- El ModulorI y II, ed poseidón, p. 56
14- Le Courbusier 1910-1965 Boesiger,Girsberger, G G p 290
15- M. Dezzi, Bardeschi,E. Garin y otros (1.988), León B. Alberti, ed. Stylos, p.57
16- Hacia una arquitectura, p XVI
17- Ibid p. 108

Graceland Cementery, un cementerio arquitectónico en Chicago

Tumba de Louis Sullivan, padre de los rascacielos

Si a uno le interesa la arquitectura, Chicago indudablemente es una de las ciudades que más atracciones tiene para ofrecer. Cuna del rascacielo contemporáneo, se pueden encontrar algunos de los mejores exponentes de esta tipología deambulando por sus calles. La Torre Willis (ex Torre Sears), de Skidmore, Owens & Merrill, en su momento la más alta del mundo y actualmente la novena, el John Hancock Center, del mismo estudio, o el Lake Shore Drive, de Mies Van der Rohe, son solo algunos de las más de 1200 edificios en altura que tiene la ciudad. A esto hay que agregarle las joyas residenciales, desde la Casa Robie y la Casa Emil Bach, ambas de Frank Lloyd Wright, hasta la Casa Farmsworth, de Mies, ubicada en las afueras de Chicago. Envuelto en toda esta oferta, el Graceland Cementery podía quedar tranquilamente perdida, lo cual sería un desperdicio. Es que en este cementerio, que fue diseñado por dos destacados paisajistas del siglo XIX, uno puede encontrar las tumbas de Louis Sullivan, uno de los padres del rascacielos, Laszlo Moholy-Nagy, figura central de la Bahaus y hasta la del señor "menos es más", Ludwig Mies Van der Rohe, como así también panteones diseñados por ellos. No en vano llaman a Graceland, el "cementerio de los arquitectos".

Tumba de Mies Van der Rohe

Establecido en 1860, fue el paisajista H.W.S Cleveland el encargado de diseñar los trazados, los caminos y los distintos sectores, dotándolo al conjunto de un aire similar al Parque Victoria de Londres. Cuando el lugar creció, fue el arquitecto paisajista Ossian Simonds quien determinó cuáles serían las distintas especies vegetales que se colocarían. El paisaje verde resultante de esta intervención convirtió a Graceland en uno de los sitios turísticos más populares de Chicago. Esta primera identificación del cementerio con la profesión se consolidaría en el tiempo, hasta prácticamente volverse su leit motiv.

Panteón diseñado por L. Sullivan

Louis Sullivan (1856 - 1924) es tal vez el nombre que mayores puntos de contacto tiene con Graceland. Además de estar sepultado en el cementerio, proyectó al menos dos estructuras dentro de él: la Martin Ryerson Tomb, y la Carrie Eliza Getty Tomb. Parte del emblemático estudio Adler & Sullivan y uno de los mentores de Frank Lloyd Wright, fue una de las figuras fundantes del modernismo estadounidense. Su legado más reconocido sin duda es el rascacielo, una tipología sobre la que trabajó desde sus inicios y que ayudó a perfeccionar. Una figura que no necesita mayor presentación es Mies Van der Rohe, quien falleció en Chicago en 1969. La sepultura del creador de joyas como el Edificio Seagram y el Pabellón Barcelona es, como no podría ser, de un minimalismo extremo: un mármol negro, donde solo se lee su nombre y los años de su vida. La pieza fue diseñada por Dirk Lohan, nieto del arquitecto alemán. No se puede dejar de mencionar tampoco al fotógrafo, pintor y docente húngaro Laszlo Moholy-Nagy, quien llegó a Chicago en 1937 huyendo del nazismo. Parte del cuerpo docente de la Escuela de la Bauhaus, que funcionó entre 1919 y 1933, Moholy-Nagy fundó la Facultad de Diseño (llamada originalmente la Nueva Bauhaus) del Instituto de Tecnología de Illinois, en donde intentó poner en práctica los mismos principios que guiaron la experiencia alemana, primordialmente la integración entre tecnología, industria y arte. Falleció en 1946. También están los restos de Marion Mahon Griffin, la primera arquitecta en ser matriculada en Estados Unidos, y la única mujer en formar parte del estudio de Oak Park de Frank Lloyd Wright. Nacida en 1871, murió en Chicago en 1961.

Tumba diseñada por Sullivan en el Graceland Cementery

Además de estas figuras, en Graceland también se encuentran numerosos profesionales menos conocidas para el público latinoamericano, pero igualmente significativos para la arquitectura de Estados Unidos: John Root (uno de los creadores de la Escuela de Chicago), Fazlur Kahn (el primer ingeniero en ser nombrado socio del estudio Skidmore, Owings & Merrill) y William Le Baron Jenney (un ingeniero, responsable del primer rascacielos hecho completamente en acero, el Home Insurance Building). 

Vía: ARQ Clarín 

Alcances de la Arquitectura Integral de Walter Gropius - A proposito de la Industralización

Reflexiones de Gropius acerca de la mediocridad, la esclavización de la humanidad por parte de las máquinas y la universidad.

Portada del libro de W. Gropius

En su obra Alcances de la arquitectura integral, publicada en español en 1956 y dividida en cuatro partes, Walter Gropius expuso su concepto sobre arquitectura, desarrollado durante los años que dirigió la Bauhaus (1919-1927) y perfeccionado durante su época en Estados Unidos. Entre sus publicaciones sobre arquitectura se encuentran Reconstruyamos nuestras comunidadades (1945) y Arquitectura y diseño en la edad de la ciencia (1952).

Para entender esta obra, hay que señalar que en el momento en que algunas producciones denominadas artes decorativas y aplicadas comenzaron a ser elaboradas de forma industrial, se inició un proceso que fue desde el rechazo de la segunda mitad del siglo XIX, a la aceptación en la segunda década del siglo XX. Para Walter Gropius, el uso erróneo de la máquina en los primeros años del XX había creado una mentalidad colectiva que había aplastado el alma, y que había nivelado las diferencias individuales. ¿Hablaba Gropius de mediocridad?

Una de las primeras ideas que expone el texto es que tanto arquitectos como proyectistas debían aprender una nueva actitud imparcial, original y elástica sobre el arte y el diseño. No sólo eso, sino que en arquitectura, “(…) la realización de una nueva visión espacial significa algo más que la economía estructural y la perfección funcional.”[1] Éste fue el sentido de la fundación de la Bauhaus: impedir la esclavización de la humanidad por parte de la máquina, la aparición de artículos producidos en masa, la robotización del individuo, etc. En suma, lo que Charles Chaplin denunció en Tiempos modernos (1936).

Gropius defendió en esta obra la inexistencia de un estilo Bauhaus, ya que de haber sido así, la Bauhaus habría sido simple academicismo. No debemos olvidar los ideales que impregnaron el curso preliminar que tanto Johannes Itten y, posteriomente, Lázlo Moholy-Nagy impartieron para la escuela. El propósito del curso era el de despertar la conciencia perceptiva y técnica, las habilidades intelectuales y la experiencia emocional, algo verdaderamente revolucionario en el ámbito artístico-educativo. Así pues, la finalidad de la Bauhaus “(…) no fue propagar ‘estilo’, sistema o dogma algunos, sino sencillamente ejercer una influencia revivificante sobre el diseño.”[2]

En la segunda parte, “El arquitecto contemporáneo”, el autor se cuestionó si en los edificios contemporáneos predominaba la arqueología o la arquitectura. Para poder hablar de arquitectura era importante la percepción de las características y fuerzas motrices del tiempo, pero esto, según Gropius, no sucedía. Una de las causas era el hecho que la actitud de la universidad era imitativa (arqueológica) y no creadora (arquitectónica).

Las funciones tanto materiales como espirituales de cualquier proyecto arquitectónico debían ser interdependientes. Como arquitecto aseguró que era un anacronismo expresar funciones del siglo XIX con nuevos medios técnicos, así como también expresar funciones espirituales del XX con técnicas y materiales del siglo anterior. ¿Sería este un ejemplo del problema de atelia e hipertelia en el arte que desarrolló Gillo Dorfles?[3]

Para Gropius era sencillo: la auténtica arquitectura sólo podía ser la integral. Sólo así el arquitecto concebiría los edificios como receptáculos para el fluir de la vida a la que, además, debían servir. Este concepto es el que se desarrolla ampliamente en la tercera parte de la obra “Territorio y vivienda”, sin duda el capítulo más técnico y arquitectónico.

Casa de Profesores de la Bauhaus diseñada por W. Gropius

Finalmente en el último capítulo, denominado igual que el título del libro “Alcances de una arquitectura integral”, el autor se detuvo en el binomio arquitectura y ética. Para que esto fuese posible, arquitecto y urbanista debían canalizar el crecimiento urbano en una forma cívica superior. Gropius estaba integrando aquí -y de forma pragmática- todas las propuestas utópicas urbanas del XIX, como fueron los Pueblos Armonía de Robert Owen. En su ideal de arquitectura, expuso que “hemos comenzado a comprender que diseñar nuestro ambiente físico no significa aplicar un conjunto fijo de reglas estéticas; por el contrario, corporiza un crecimiento interno continuo, una convicción que recrea continuamente la verdad, al servicio de humanidad.”[4]

En esa apuesta por la aceptación de la técnica y la industria en las artes, el autor señaló que a diferencia del simple proceso de mecanización, el trabajo del artista debía ser la búsqueda desprejuiciada de la expresión. No sólo eso, Gropius consideraba que la tarea del artista era esencial para el desarrollo de la democracia, puesto que “(…) los problemas sociales no pueden resolverse exclusivamente mediante procesos intelectuales o mediante la acción política.”[5]

Al principio del artículo, nos preguntábamos si la utilización incorrecta de las máquinas, la aceptación sin más de la industrialización y de la producción en masa, había creado una mediocridad colectiva. Quizás no era mediocridad, sino una falta de integración entre estética y ética, síntesis que defiende toda la obra de Jacques Rancière. En El maestro ignorante (1987), el filósofo francés contrapuso la nueva educación, basada en el principio de emancipación, con la vieja educación, basada en el principio de atontamiento. En la primera, por el hecho de no existir pedagogía institucionalizada, hacía posible el surgimiento de una sociedad de artistas. Algo similar a lo que defendió Gropius al decir que en la Bauhaus no hubo un estilo, un dogma, es decir, una institucionalización del arte y del diseño. Por ello, en Alcances de una arquitectura integral hay algo más que una insistencia del binomio estética-ética del arte. Ese algo más sólo podremos hallarlo en su lectura.

Vajilla diseñada por W. Gropius

[1] GROPIUS, WALTER (1963) ALCANCES DE UNA ARQUITECTURA INTEGRAL. BUENOS AIRES: LA ISLA, P. 28
[2] IBIDEM, P. 31
[3] DORFLES, GILLO (1973) NUEVOS RITOS, NUEVOS MITOS. BARCELONA: LUMEN.
[4] GROPIUS, WALTER (1963) OP. CIT. P. 197
[5] IBIDEM, P. 188

Vía: The Creative Riot

Ficción Inmobiliaria - Cuando las ficción se acerca a la realidad urbana

Ficción Inmobiliaria recopila material formado por películas de ficción donde las problemáticas asociadas a la cuestión de la vivienda aparecen en la trama principal o cruzadas con ésta. 

La ficción rara vez trata sobre lugares; en la ficción importa la historia. Pero si atendemos a la localización, sin dejar de prestar atención a la trama, podremos acceder a parte del conocimiento fílmico almacenado en la imagen audiovisual. Asi analizan ese residuo de conocimiento objetivo del contexto filmado.

En este collage de ficciones en las que la ciudad y sus habitantes son los protagonistas se esconde el registro de los conflictos urbanos asociados al modelo socioeconómico de una época. De igual manera, sus desenlaces proyectan un abanico de soluciones sólo limitadas por la imaginación.

Quizás podamos apreciar el cine de ficción por sus revelaciones documentales, y otorgar nuevas resonancias y significados a este sugerente orden narrativo.

El colectivo Left and Rotattion ha creado también la web Museo de los Desplazados donde se abordan los procesos de gentrificación en las ciudades y en la que se puede encontrar información de sus actividades y diferentes proyectos.

A continuación este pequeño pero muy completo material fílmico:

Mayor información sobre el Museo de los Descalzos en: http://www.lefthandrotation.com/museodesplazados/ficha_ficcioninmobiliaria.html

Rem Koolhaas...una especie de arquitecto / Documental

Les presentamos un documental dividido en dos episodios. Haciendo un recorrido por la vida profesional de Rem Koolhas, haciendo una aproximación o esbozo a algunas de sus obras e ideas principales. 

El primer episodio tiene como punto de partida los años de formación de Koolhaas, sus incursiones en el cine y el periodismo, así como sus influencias y su vinculación con la arquitectura. Posteriormente, se hace referencia a hechos como su proyecto universitario sobre el muro de Berlín, la fundación de su firma de arquitectos OMA y de la plataforma AMO, su libro sobre Manhattan "Delirio de Nueva York", su propuesta de bandera para la Unión Europea y el proyecto para las tiendas Prada.

El segundo episodio ofrece un análisis detenido de algunas de las edificaciones encabezadas por Koolhaas, como la Casa da Música de Porto, la embajada de Holanda en Berlín y las oficinas de la cadena CCTV en Pekín.

El documental brinda la posibilidad de escuchar al propio Koolhaas comentando algunas de sus ideas y proyectos, por ejemplo, el sentido de su famosa afirmación "fuck context". Los episodios incluyen también testimonios de otros miembros del grupo OMA (como el ingeniero y diseñador Cecil Balmond), de críticos (como Chris Dercon) y de otros arquitectos (como Richard Meier).

Ficha técnica:
TÍTULO ORIGINAL: Rem Koolhaas, a kind of architect.
DIRECCIÓN: Markus Heidingsfelder
NACIONALIDAD: Alemana
AÑO: 2005.
DURACIÓN: 97 min

Yes, Yes, Yes!!! A propósito de BIG y su Archicomic

Portada del libro: "YES IS MORE"

Hace poco recupere mi libro de "Yes is More, Un Archicomic sobre la Evolución Arquitectónica" y bueno me he propuesto a leerlo, por lo cual publique una foto del libro y por ahí me dijeron que había tirado mi plata a la basura, lo cual me inquieto por ello decidí averiguar un poco de que va el libro antes de ponerme a leerlo y como aun no puedo dar una opinion personal, a continuación les dejo una critica realizada a BIG y su archicomic realizada por Alfredo Salgado del blog ¡Viva la Crítica!: 

Bjarke Ingels

¿Celebridad o Arquitecto? Bjarke Ingels ha llamado nuestra atención a la critica y nos invita a cuestionarnos cuál es su verdadero talento: si proyectar y diseñar buena arquitectura o saber vender su imagen a través de creaciones digitales sin esencia ni pretexto.

Cuestiono si podríamos ver, si nos acercásemos mas profundamente a su obra, o mas bien a sus proyectos, que esta estrella fugaz se ha basado en la sobre-explotación de los medios sociales, la vacuidad y de la inmediatez de la actualidad para ser el punto focal de atención del mundo mediático, sin realmente matizar el valor arquitectónico de su obra maestra que se basa en la tecnología digital más que en el performance de su construcción.

Yes is More, el archicomic publicado por Bjarke Ingels nos presenta, vista desde los ojos de nuestro protagónico y paradigmático personaje de la era virtual, una sátira de la performance de la arquitectura, en el que se ilustran magistralmente las estrategias que este arquitecto aplica para situarse como número uno en las listas de popularidad, además de valerse por supuesto de su muy evidente carisma. De esta manera, BIG logra presentarse como un real y verdadero triunfador, tomando cada línea escrita sobre su arquitectura como un premio sin realmente poner atención a lo que se este diciendo sobre su arquitectura, convirtiéndola a ésta y a su porpia vida en una especie de reality virtual.

En su archicomic nos habla de esta nueva evolución de la arquitectura que él manifiesta en la cual se logra apreciar única y realmente la propagación de su obra mediante la utilización de estrategias y tecnologías mediáticas. Es decir, Ingels utiliza este cómic como una estrategia de abaratamiento, por así llamarlo, de la arquitectura en la cual no es necesario ser un arquitecto o tener conocimiento alguno de la arquitectura para lograr comprender sus proyectos y conceptos.

Es esencial recalcar que la arquitectura debe ser diseñada, estudiada, analizada y reflexionada por un arquitecto y que ningún tipo de caricaturización de ésta la puede justificar mas que esta por si sola. Peter Zumthor nos demuestra con Pensar la arquitectura cómo debe plantearse un libro que hable sobre la reflexión de su obra . Zumthor nos guía a través de su pensamiento introspectivo sobre su manera de observar y percibir a su entorno a la hora de crear un espacio generador de una atmósfera, logrado únicamente gracias a la pureza de su naturaleza arquitectónica: “Cuando me pongo a pensar en arquitectura emergen en mí determinadas imágenes. Muchas están relacionadas con mi formación y con mi trabajo como arquitecto; contienen el saber que, con el paso del tiempo, he podido adquirir sobre la arquitectura”[1]. Ingels por su parte, utiliza esta publicación para vender su arquitectura y conseguir un nombre en el mundo de la fama, no para reflexionar sobre ésta.

Debemos cuestionarnos si Ingels es culpable de su propia situación cuando ha nacido y vivido en un mundo consternado únicamente con la inmediatez. Un mundo en el cual no se requiere de alegato alguno para ser famoso, y su esencia y espíritu son únicamente una capa superficial que cubre la falsa complejidad de la arquitectura. Un mundo que nos habla de una plasticidad errónea, escalas magníficas únicamente logradas virtualmente y evidenciando la escasez de programa arquitectónico que pasa a un segundo plano posterior a la expresión idealizada, concebida por una corriente visionaria que simplemente puede propagarse elementalmente en un mundo virtual sin dejar de ser algo inconstruible.

Ése es en el caso de su proyecto Zira Zero Island, en el cual imita las topografías de la bahía de Azerbaiyán, para crear siete conjuntos residenciales. Es notoria la ignorancia que este renombrado arquitecto demuestra sobre su contexto y su concepto arquitectónico. Es evidente que son ignorados ese entorno y esa bahía que brindan la pauta para que el proyecto de Bjarke Ingels se vuelva un hito; es decir, que el desarrollo propuesto busca competir con las preexistencias sin brindarles ningún respeto o si evidenciar que son aquellas topografías las que le permiten ese iconicismo. Si observamos a Luis Barragán, cómo retoma los conceptos de la hacienda mexicana y de la soledad, transformándolos en una arquitectura vanguardista del Movimiento Moderno sin necesidad alguna de publicidad o de sobreponerse sobre las mismas haciendas mexicanas, reconocemos una evidencia de cómo la buena arquitectura retoma su entorno, su contexto y su funcionalismo, revolviéndolo y demostrándolo plásticamente, y no en una imagen virtual.

Derivado de esto, puede plantearse que, por ende, la arquitectura hace evidente la falta de lo esencial y primordial, que se puede lograr con la buena selección de un concepto fundamentalmente basado en los orígenes culturales, políticos, económicos y sociales de cierto lugar, para que de esta manera se pueda proyectar una arquitectura que genere emociones y cree atmósferas sin dejar de satisfacer a la vista.

Tomamos a la vista como una prolongación del tacto y no como el sentido predominante que anula a los demás, y que se deja fascinar por morfologías sorprendentes o vanguardistas, a lo que parece apelar el proyecto People’s Building. En él se observa (virtualmente) una morfología impactante que reta a la destreza de la ingeniería pero que, sin embargo, carece de una esencia verdadera o de un programa arquitectónico. Se puede observar el sorprendente exterior del edificio, pero no obstante es evidente la escasa planificación de los espacios interiores y, mucho más aún, de la función que van a satisfacer. Todo lo anterior nos lleva a preguntarnos si debemos revisar nuevamente a los maestros por excelencia del funcionalismo -Van der Rohe, Gropius o Le Corbusier-, para volver a tomar en cuenta, los cinco principios de la arquitectura, la escala del ser humano o sus necesidades, para así lograr cumplir con una función y una solución arquitectónica.

Reitero que la publicidad y el mundo mediático no hacen justicia si no llevan a analizar el posible talento o potencial del arquitecto, rescatando su visión y reflexión sobre la crisis en la que se encuentra la arquitectura hoy en día, y cuál es su propuesta para resolverla o contraatacarla, ya que si continuamos alabando al mismo arquitecto, estudiaremos a aquéllos que únicamente construyan el 8% de sus proyectos.

La arquitectura por excelencia se basa en el concepto, en su entorno y es así como logra la manifestación de su rendimiento. Bjarke Ingels, puede lograr hacer muy buena arquitectura, arquitectura de esencia, arquitectura de atmósfera y contenido, sin embargo tiene que dejar de postularse en el mundo mediático y concentrar su energía, enfoque y talento en la pureza de su obra dejando a un lado su fama y egocentrismo.

[1] Peter Zumthor, “En busca de la arquitectura perdida” en Pensar la Arquitectura, Gustavo Gili, Barcelona, 2004.

Lugares de la Memoria - Como para No Olvidarnos

Imagen extraída del la pagina del evento.

El miércoles pasado asistí a una conferencia sobre "Lugares de la Memoria / Reflexiones desde la Arquitectura y Museografía" realizada en el Auditorio del Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social (LUM), organizado por la Revista ARKINKA, iniciando su Ciclo de Conferencias "Espacio Arquitectura 2015".

A continuación un resumen y apreciación personal del evento:

El Evento en realidad fue organizado por dos jóvenes que son parte de la revista (uno de ellos al cual conozco personalmente, Miguel Gomez P.)que dicho sea de paso estuvo muy bien organizado, estructurado y con un orden y en un buen auditorio como lo es el del LUM.

INTRODUCCIÓN (Cooper no puede con su genio):

La introducción al evento la hizo como era de esperarse el Director de la Revista que organizaba el evento el Arqto. Frederick Cooper Llosa, en la cual comenzó a hablar de la "memoria" en que era interesante hablar sobre "darle un espacio a la memoria" y siguió divagando sobre esto hasta que le salio lo elitista y se acordó de un edificio en Alemania (Alemania porque ese si es un país civilizado según sus palabras) y luego pregunto como iba el tema de la museografía en el LUM porque tenemos el sitio pero no la memoria, porque en el Perú como siempre todo se hace al revés o se hace mal. 

La verdad no entiendo porque el afán de criticar, de ver todo por debajo del hombro, de demostrar que todo esta mal en el Perú, pero eso si, si es europeo o echo por el perfecto, si es peruano y encima quieren rescatar sus raíces serranas carece de valor, creo que es un mal que tienen muchos arquitectos en este pais, no ven la realidad peruana.

CONFERENCIAS:

1. Santuario de la Memoria en Huamanga: La primera conferencia estuvo a cargo de Juan Carlos Zapata y Martín Piccini, el trabajo es un Proyecto participativo de autogestión realizado por AWAQ Studio y el Estudio SHICRAS, este proyecto nace de la propuesta de la ANFASEP y, en diálogo y participación con diversas organizaciones de afectados, organismos de derechos humanos tanto en Lima como en Ayacucho., el proyecto busca generar un espacio para la conmemoración de la victimas desaparecidas en el Conflicto Armado Interno desde Humanga - Ayacucho.

Donde antiguamente se quemaban los cuerpos hoy se limpian con agua.

Me pareció muy importante en la conferencia el énfasis que le daban al respeto por el lugar en donde se realizaron exhumaciones de las victimas del terrorismo y de tratar de hacer una intervención muy cuidadosa, por otra parte el tema de la Autogestión Arquitectonica, de la cual no se habla mucho en las universidades ya que la realidad no siempre es la del arquitecto y un proyecto a pedido sino autogestionandose los proyectos, utilizando la arquitectura como instrumento, como un medio para llegar a darle a los pobladores a través de conversaciones con ellos un espacio adecuado a sus necesidades y no un fin para volverse la mega estrella de la arquitectura.

Camino en zona de exhumaciones, con una grilla reinterpretando los tejidos andinos.

2. Lugar de la Memoria “Yalpana Wasi” de Huancayo: Esta conferencia estuvo a cargo de David Chanco y Nicolas Quiñones, en representación del anterior Gobierno Regional de Junín, ya que este fue el encargado a través de la idea y gestión del ex - presidente regional y como parte de un proyecto de Inversión Publica se pudo llevar a cabo este proyecto.

Vista tridimensional del proyecto del Lugar de la Memoria "Yalpana Wasi". 

Los ponentes desarrollaron un tema que muy poco se toca al hablar de proyectos como estos en donde esta involucrado el estado, la inversión publica y el SNIP (Sistema Nacional de Inversión Publica) ya que en las universidades o en la mayoría de conferencias a las que asistimos se trata el tema de la obra en si, el partido, el desarrollo del proyecto, la composición del mismo, los materiales, etc. y se deja de lado  este tema que es parte de la realidad con la que nos topamos como arquitectos al trabajar con o para el estado, aunque por momentos ya parecía un discurso político elogiando mucho al ex-presidente regional, pero se sopeso con la otra parte del desarrollo de la conferencia en donde se hablo de porque eligieron el tipo de material (la piedra) y el desarrollo arquitectónico del proyecto.

3. Lugar de la Memoria “Yalpana Wasi” y su Museografía: Esta ponencia fue dada por la arquitecta Marisol Zumaeta encargada de la Museología y Museografía del Lugar de la Memoria "Yalpana Wasi" de la Región Junín. Con una gran caída de agua que discurre por todos los niveles del "Yalpana Wasi" y en la cual se proyectan los rostros de las victimas de la lucha armada de la Región Junin, simbolizando una limpieza del daño que se les causo a estas victimas y culminando esta caída de agua en un espejo de agua representando una pakarina o lugar de origen mítico andino en donde la gente iba para llenarse de fe, esperanza y buena energía.

Caída de agua con la proyección de las fotografías de las victimas reconocidas hasta el momento.

La Arqta. Zumaeta inicio hablándonos de su decepción al acabar la carrera de arquitectura, ya que la mayoría de sus compañeros de promoción tenían como máxima expectativa hacer casas de playa y "servir para las élites" y de que los arquitectos podemos desarrollando en muchas ramas como por ejemplo en la museografía en donde "faltan muchas manos". Luego nos hablo específicamente de su trabajo en "Yalpana Wasi" donde se le hizo difícil trabajar en un Lugar de la Memoria porque este es un lugar de lo que queremos olvidar y que tenia que trabajarse con mucho cuidado para no herir susceptibilidades , comenzar a ver otros museos de la zona para ver que cosa se exhibe en ellos y complementarlos en la parte museologica y nos termino explicando su intervención museografica la cual se siempre trabaja con simbolismos, debo decir que personalmente me llamo mucho la atención indagar mas sobre ese campo profesional en un futuro no muy lejano.

Vista total de la caida de agua y el espejo de agua en donde culmina.

4. Lugar de la Memoria (LUM): La ultima conferencia estuvo a cargo de la pareja de arquitectos Jean Pierre Crousse y Sandra Barclay de Barclay & Crousse Arquitectos como ganadores del Concurso para el "Lugar de la Memoria" se llevo a cabo su proyecto arquitectónico en el emplazamiento dado para el mismo por parte de estado. 

Maqueta del Proyecto Ganador del Concurso de Ideas para "Un Lugar de la Memoria".

Los arquitectos Barclay y Crousse hablaron de como desarrollaron el proyecto, viendo el emplazamiento de farallones y quebradas y respetando ello, utilizando el material de la zona (el canto rodado) y como crearon un recorrido para poder prepararse uno en la experiencia de dejar la ciudad y adentrarse en lo que significa rememorar una etapa de nuestra historia que muchos quisieran olvidar, de como crear un espacio para las múltiples memorias de los diferentes actores de esa historia que fue la guerra interna y por ultimo de que en estos momentos ya se aprobó el contenido museográfico del edificio (aunque ellos no ven eso pero igual están involucrados o pendientes de ello).

Vista aérea del proyecto construido.

CONVERSATORIO:

Fotografía del conversatorio final del evento.

El conversatorio estuvo dirigido por el critico de arte David Flores-Hora, lo que más me llamo la atención fue que se desarrollo más el tema de la dualidad que significa crear un Lugar de la Memoria o cualquier museo en si, una parte arquitectonica y otra museográfica, como decir la cascara y el contenido y como a veces se crea un espacio sin tener el contenido y los pro y contras de tener de antemano la museografia, la capacidad que debe tener un arquitecto de crear un espacio como contenedor temporal que sea flexible a cambios.

Por otra parte cuando un joven le hizo una pregunta a los arquitectos Barclay y Crousse (que parecía alumnos de ellos porque dijo estar totalmente de acuerdo en todo con ellos) me sorprendió la respuesta del arquitecto Jean Pierre Crousse le explico que el tipo de construcción en Europa es muy técnico, que la manera en como se construyo el LUM con la colocación de los cantos rodados por maestros seria imposible en Europa y que debemos apreciar y valorar la mano de obra en nuestro país y re-valorarla.

Detalle de la colocación de los cantos rodados en los pisos del LUM.

Espero les aya agradado el resumen y no me queda nada más que agradecer a los organizadores del evento, esperando asistir a otros, con tan variadas propuestas e intereses como esta, viendo hacia proyectos realizados también en provincias y con otros enfoques.

Johao Rodriguez H.

La parte arquitectónica del éxito de las escuelas finlandesas

Escuela Strömberg en Helsinki de Kari Järvienen y Merja Nieminen. FOTO: Arno de la Chapelle

Acceso universal, gratuito e igualitario, escolarización de alto nivel, inclusión… ¿adivinen de qué sistema educativo estamos hablando? Desde hace una década, los finlandeses obtienen los mejores resultados en las pruebas internacionales PISA que realizan todos los estudiantes europeos. ¿Hasta qué punto influye la arquitectura de las escuelas en las que reciben esa educación?

La delegación navarra del COAVN organizó, junto al Museum of Finish Architecture, una muestra en el Museo Oteiza de Alzuza –derivada de The Best School in the Worldexpuesta en la Bienal de Venecia en 2010- en la que trataba de analizar la relación entre buena arquitectura y educación. Estas son las correspondencias que hallaron entre buenos estudiantes y escenarios polivalentes, entre fomento de las relaciones entre alumnos y edificios flexibles y entre importancia simbólica de la escuela y uso social de los colegios durante el fin de semana.

La arquitecta Kaisa Nuikkinen, responsable del departamento de educación de Helsinki, recuerda, en el catálogo de la muestra, que las escuelas jugaron un papel crucial en la transformación de la economía finlandesa de agraria a industrial. Sucedió a partir de 1970, cuando el sistema educativo impuso nueve años de escolarización. Esa educación pensada para todos y con el mismo nivel en todos los centros necesitaba nuevos escenarios que dejaran atrás el “sistema medieval del scriptorioum” y utilizaran el potencial de la arquitectura para indicar, enseñar y experimentar. “La clave de la arquitectura más humana es que sirve a la gente corriente durante los días de diario”, insiste Nuikkinen. Fue la respuesta de los usuarios, más que los atributos de las instalaciones lo que esta arquitecta analizó en su tesis doctoral. La conclusión fue que los mejores espacios educativos son los que han sido diseñados para todos, no solo para el ideal físico o psíquico de alumno, los que establecen una relación con el lugar y con el mundo exterior en vez de aislar, los que son flexibles y se pueden reinventar (los estudiantes más imaginativos lo hacen para jugar y trabajar). Todo eso convierte la arquitectura en una lección. ¿Cuál es la traducción arquitectónica de un lugar del que aprender?

Someramente:

1-Aprovechar lo que hay fuera: luz, paisaje, vida urbana. No aislar, integrar.

2-Un lugar seguro: física y psicológicamente cómodo, acogedor, abierto, integrador. Un gran vestíbulo de entrada polivalente cumple en muchas escuelas finlandesas esta función.

3-Combinar orgullo, mantenimiento y flexibilidad: En muchos pueblos, la escuela es el edificio más visible. Es a la vez un símbolo y un lugar longevo que debe durar y, sin embargo, cambiar para adaptarse a las nuevas generaciones.

4-Prueba y error: Hoy en día las escuelas finlandesas son el resultado de haber corregido muchos errores del pasado como el aislamiento de los estudiantes o la falta de rincones para juegos tranquilos o ratos de conversación privada.

Vía: Diario "El País"

La arquitectura moderna dejó de ser blanca

Un estudio de la Universidad Politécnica de Valencia demuestra que el “blanco” ya no es el color oficial de la arquitectura moderna.

Torre Agbar de Jean Nouvel

Aunque el blanco sigue siendo un color fundamental en la arquitectura contemporánea, un estudio de investigadores de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV) demuestra que los colores juegan un papel importante en la nueva arquitectura, logrando gracias a su uso que las construcciones se transformen, se fragmenten, adquieren movimiento y novedad, cambiando su apariencia y percepción de un mismo edificio de una manera diferente.

Hasta hace unos años La arquitectura moderna se ha identificado erróneamente con el uso exclusivo del blanco, pero en las últimas décadas se ha reintroducido el color en el diseño arquitectónico y ha resultado un medio muy útil para expresar la versatilidad, el cambio, la falta de permanencia, la adaptación a las nuevas necesidades". Juan Serra, profesor del Instituto de Restauración del Patrimonio de la UPV y sus compañeros del Grupo de Investigación del Color, han analizado la obra de una docena de arquitectos de los siglos XX y XXI, y han llegado a la conclusión de que hay cuatro conceptos que se pueden asociar con la versatilidad cromática: la transformación, la fragmentación, el movimiento y la novedad.

Estas cuatro inquietudes pueden explicar el modo en que se idean y disponen los colores en gran parte de la arquitectura contemporánea.

Transformación: El uso de paneles móviles, como en el caso de la Torre Agbar de Barcelona (Jean Nouvel); de paneles que se iluminan independientemente (el estadio Allianz Arena de Múnich, de Herzog & de Meuron), o de materiales que por si mismo tienen distintas tonalidades como el acero corten de Caixa Forum de Madrid, consiguen variar el ángulo e intensidad de la luz, así como lograr una transformación constante a lo largo del día.

Allianz Arena de Herzog & de Meuron

Ruptura, movimiento y novedad de la integridad arquitectónica: Los colores actúan como un código que informa al observador de que cada fragmento tiene un uso o un sistema constructivo diferente, como en el Mirador de Sanchinarro, en Madrid, del estudio holandés MVRDV y Blanca Lleó.

Mirador de Sanchinarro del estudio holandés MVRDV

Movimiento: Puede ser que los propios colores tengan movimiento (Times Square en Nueva York o Picaddilly Circus en Londres (Reino Unido), o que sean estáticos pero que la percepción nos produzca movimiento como nueva terminal T4 del aeropuerto de Barajas, en Madrid, de R. Rogers y Lamela. 

Terminal T4 del aeropuerto de Barajas de R. Rogers

Novedad que aportan las aplicaciones informáticas: Gracias al uso de las imágenes digitales y el propio concepto de pixel a los edificios mediante un proceso de abstracción, como en la cubierta del Mercado de Santa Caterina de Barcelona, de Enric Miralles y Benedetta Tagliabue, o el MUSAC de León de Emilio Tuñón Álvarez y Luis Moreno Mansilla.

Mercado de Santa Caterina de Enric Miralles

Sin embargo el blanco sigue teniendo una gran aportación en la Arquitectura Contemporánea, de la mano de arquitectos como Álvaro Siza o Santiago Calatrava. Desde la UPV, llegan a la conclusión de que en los últimos años conviven las dos posturas extremas: la de los arquitectos que persiguen la variedad cromática en sus obras y la de los partidarios del blanco. 

Vía: UPV